“Aus Haltung wird Gestalt”, HQ Magazin, 2008

 

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Otl Aicher sprach von „der Welt als Entwurf“. Das heißt auch: Design muss nicht immer aus den verschiedenen Disziplinen – Fotografie, Werbung, Produkt, Architektur, Event, Corporate Design – kommen, sondern kann auch als Ausdruck einer inneren Haltung Gestalt annehmen. In der Tat sind es die Arbeiten, die nicht aus Aufträgen resultieren, die mich am meisten faszinieren, die also ohne Termine oder finanzielle Vorgaben diese Form in eine bestimmte Richtung drängen. Aber auch Werke, die nicht als Kunst in einer ihrer Ausdrucksformen – Musik, Malerei, Theater usw. – gelten können, denn diese sind von Natur aus frei, auch wenn sie sich anderen Gesetzen anpassen müssen, wie denen des Kunsthandels, der Galerien, Museen, Theaterhäuser und Aufführungsstätten.

Ich meine die Werke, die in keine Kategorie passen und dennoch durch ihre Haltung eine Form annehmen. Wenn die Form dann sichtbar wird, ist sie natürlich – wie alle anderen sichtbaren Dinge – äußeren Einflüssen wie Kritik, Macht, Politik, Kommerz, all diesen Stürmen, unterworfen. Aber als sie entstanden, waren diese Werke frei. Zumindest frei von den Kategorien, nach denen wir sie gewöhnlich beurteilen, und vor allem frei vom Druck des geplanten Erfolgs. Denn der Erfolg kam erst im Nachhinein, aus der Tatsache heraus, dass etwas geschaffen wurde und Form annahm.

Deshalb möchte ich in dieser neuen Ausgabe des HQ – mit dem Untertitel „Magazin für Design“ – über eine Reihe von Projekten und Arbeiten sprechen, die nicht aus den Designdisziplinen kamen, aber eine bemerkenswerte Designqualität entwickelten, weil diese innere Haltung, von der ich spreche, so stark war. Phänomene, die zunächst nur durch die inhaltliche Komponente bestimmt sind, deren Inhalt aber eine so überzeugende Form annimmt, dass er ebenso auffällig, suggestiv oder gestalterisch wird wie ein nach allen Regeln der Kunst akribisch erarbeitetes Logo oder gar ein ganzes Corporate Design … äußerst unterschiedliche Projekte, die diese Haltung  veranschaulichen, wo echtes Design beginnt.

Zum Beispiel die Lichterkette in München 1992, als Protest gegen Fremdenfeindlichkeit und Rechtsextremismus. Hier hat München wirklich gefunkelt; die überwältigende Beteiligung der Bevölkerung an der geplanten Demonstration von Giovanni di Lorenzo und seinen Mitarbeitern, war eines der herausragenden Ereignisse in der deutschen Geschichte seit der Vereinigung und wahrscheinlich auch seit Kriegsende. Ein Grund für die große Resonanz war sicherlich die wunderbar passende Form, die eine facettenreiche, harmonische Symbolik mit einem einfachen und leicht erkennbaren symbolischen Element verband. Licht, das uralte Symbol der Hoffnung, der Wärme und damit der humanitären Werte, in seiner einfachsten denkbaren und praktischen Anwendung – eine vom Teilnehmer mitgebrachte Kerze – brachte ein eindrucksvolles, unverwechselbares und sofort verständliches Symbol hervor.

Eine eigensinnigere, aber letztlich nicht weniger poetische Symbolik zeigt mein nächstes Beispiel. Mit einer Viertelmillion Plastikflaschen baute Richie Sowa, ein Schreiner aus Middlesborough, 1998 eine schwimmende Insel im GoIf von Mexiko und nannte sie Spiralinsel. Er bedeckte die 320 Quadratmeter Fläche mit Sand, baute ein zweistöckiges Haus aus Schilf mit einem Solarofen und einer Komposttoilette darauf und pflanzte Sträucher und Bäume auf der Insel. Was für eine neue Wendung im Recycling! Ein Akt der Versöhnung mit der Natur und gleichzeitig ein gesellschaftlich relevantes Experiment: die Schaffung von Land aus Müll. Die Kombination beider Extreme in einer einzigen formalen Insel und Zivilisationsschutt – das Spannungsfeld und das sozial-ökologische Potential der Installation wird immer wieder spürbar, kein Kunstwerk, sondern ein Pionierschritt, der schon in seiner Form deutlich wird. Sieben Jahre später zerstörte ein Orkan dieses kleine Paradies.

Die berühmte Veranstaltung Burning Man, die 1986 mehr oder weniger spontan von Larry Harvey initiiert wurde, hat sich von einer Veranstaltung an einem Strand in San Francisco unter Freunden zu einem einwöchigen Festival in der Wüste von Nevada mit über 40.000 Teilnehmern entwickelt. Das Hauptereignis ist das gleiche geblieben: das Verbrennen einer überlebensgroßen Holzskulptur (die im Laufe der Jahre von 2,4 Metern auf 12 Meter gewachsen ist) und andere hochkünstlerische Arbeiten, wie Uchronio der Belgier Jan Kriekeis und Arne Quinze und ihres Teams (2006). Das Ganze ist weit mehr als ein überdimensionales Sonnwend-Feuer. Der schöpferische Akt der Verbrennung, und damit eigentlich eine Deformierung, weist pointiert auf das wahre Wesen des Ereignisses hin: Es ist nicht die Arbeit, die zählt, sondern die Energie. Nicht die Materie, sondern der Geist – was geschieht in der Art und Weise des zwischenmenschlichen Kontakts, der Solidarität, der gemeinsamen Erfahrungen, die in der schnell aufgebauten und dann völlig abgebauten Stadt gemacht werden. Utopie ist zeitweilig, Utopie ist der Moment, an dem man nicht festhalten kann. Nur die Idee wird bewahrt und nimmt von Jahr zu Jahr eine neue, andere, temporäre Form an – als Burning Man, so emblematisch wie programmatisch.

Völlig jenseits der visuellen Sphäre liegt Daniel Barenboims Projekt (mitbegründet von Edward Said), das West-Eastern Divan Orchestra. Junge Menschen aus Israel, der palästinensischen  Autonomiegebiete, dem Libanon, Syrien, Jordanien und Spanien kommen jedes Jahr in Sevilla zusammen, um ein Konzertprogramm auszuarbeiten. Die Förderung der Verständigung zwischen den Völkern, die kulturelle und religiöse Grenzen überschreitet, könnte kaum wirksamer verwirklicht werden, sowohl durch ihre symbolische Botschaft als auch durch einen praktischen Akt: ein Orchester, als solches das Symbol der Harmonie, das an den Orten rekrutiert wird, wo sich heute Juden, Moslems und Christen wie in historischen Zeiten – von Andalusien bis Palästina – vermischen, und das nach der Gedichtsammlung des deutschen Kosmopoliten Johann Wolfgang Goethe benannt ist, der seinerseits von der Dichtung des großen persischen Dichters Hafis inspiriert wurde… All diese Vorzeichen wirken wie ein symbolisches Emblem, durch das die Musik, die abstrakteste aller Künste, eine vollkommene Form annimmt.

Mein letztes Beispiel ist die bekannte Google-Site, die sich durch das völlige Fehlen von Design auszeichnet. Ein Leerzeichen für die Suchstation, ein Suchknopf mit dem naiv bunten Namen darüber – das ist alles. Keine Design-Kapriolen, und das mit einer solchen Konsequenz, dass die Abwesenheit von Design die identifizierenden Insignien der Seite sind. Mit der von Larry Page und Sergey Brin entwickelten Suchmaschine konnte das Potenzial des World Wide Web endlich wirklich ausgeschöpft werden: Die Möglichkeit, einfach und ohne Vorwissen ein Suchwort aufzurufen, brachte eine Demokratisierung des Internets. Was könnte also dieser Haltung besser entsprechen als die Ablehnung jeglicher ästhetischen Spielerei? Google ist, was es ist: Inhalt ohne Form – und fand folgerichtig die Form als Nicht-Form.

Natürlich haben die hier vorgestellten Beispiele über ihre selbst generierte Form hinaus weitere Aspekte gemeinsam. Einer davon – vielleicht nicht der auffälligste – ist die enorme Disziplin jedes dieser Werke oder Ereignisse. Nehmen Sie die spontane Disziplin einer großen Menschenmenge, die eine bestimmte Handlung an einem bestimmten Tag zu einer bestimmten Stunde vollzieht, oder die geradezu mythisch anmutende Geduld und Ausdauer, die erforderlich ist, um 250.000 leere Plastikflaschen zu sammeln, oder die Anstrengung und das langfristige Engagement, die erforderlich sind, um eine Holzskulptur zusammenzusetzen, die kurz nach ihrer Fertigstellung verbrannt wird. Was das West-Östliche Diwan-Orchester betrifft, so ist kein Kommentar nötig: schließlich ist ein Sinfonieorchester der Inbegriff von Disziplin. Aber auch die Google-Site zeugt davon: wie viele tausend Gestaltungsmöglichkeiten gibt es, und wie unnachgiebig muss man sein, um ihnen zu widerstehen!

Es ist kein Zufall, dass diese Beispiele alle Disziplin gemeinsam haben. Im Gegenteil, das hat mit ihrem Wesen zu tun: Denn diese Projekte – egal, ob sie erfolgreich waren oder nicht, inzwischen kommerziell geworden sind oder nicht, ob sie historisch oder noch aktuell sind – sind in ihrer Konzeption von einem starken Impuls geprägt, den ich „Veränderung durch Multiplikation“ nennen möchte. Jedes dieser Projekte verändert nicht nur die Realität (im Grunde genommen tut das jede Handlung), sondern ist von dem Geist beflügelt, sie zu verändern. Die Entdeckung einer breiten Solidarität gegen Fremdenfeindlichkeit ausgerechnet in München mit seiner in dieser Hinsicht fragwürdigen Vergangenheit, einem Ort, der übermäßig stilisiert und gleichzeitig hartnäckig provinziell ist, war eine kollektive Offenbarung. Auf der individuellen Ebene war die Flucht aus dem Kreislauf der Mehrwegflaschen in eine eigene autarke Inselwelt eine radikale Befreiung von geradezu prototypischem Charakter. Die gemeinsame Erfahrung eines temporären Stadtstaates in der Wüste sowie die Zusammenarbeit von Juden, Christen, Moslems, Europäern, Arabern und Israelis in einem Orchester, wirken sich offensichtlich bewusstseinsverändernd aus – und die befreiende Leistung von Google wurde bereits oben erwähnt: Sie zielt auf nichts Geringeres ab als darauf, allen Menschen auf der Welt, die Zugang zum Netz haben, den Zugang zu allen darin enthaltenen Informationen zu ermöglichen.

Dieser Impuls, diese Haltung, die das eigene Handeln in einen größeren Zusammenhang stellt und alle Energie anwendet und bündelt, um unsere Welt ohne Vorbehalte, Berechnung und Ausweichmöglichkeiten zum Besseren zu verändern: Dieser Impuls ist die Haltung, die trotz aller Widerstände ihre Form findet. Das ist es, was mich als Designer interessiert – denn das ist die  Existenzquelle für unseren Beruf.

From Attitude to Form. Aus Haltung wird Gestalt.
In: Jürgen Rautert: HQ – high quality. Best of advertising, art, design, photography, writing.
Heidelberg 2008, 
ISBN 978-3-89904-330-3.